El ser humano siempre se ha tomado como modelo para pintar o dibujar. Pero la intención que encierran todas estas obras no es ni mucho menos la misma. En este capítulo se comentan algunos de los objetivos estéticos que se ocultan tras las obras que pueden verse en los museos.

Cuando un pintor actual aborda un desnudo, puede ser que pretenda exhibir su técnica o bien que simplemente esté practicando su oficio con vistas a mejorarlo. No siempre es consciente de que el desnudo es el género más antiguo, y que su sentido está más vinculado a la imagen que el ser humano tiene de sí mismo que a la representación de la realidad. Lo mismo cabe decir de los retratos y de las obras de tema mitológico, religioso o alegórico. La figura humana, en el arte, siempre ha encerrado un significado particular, y los cambios en los estilos han sido también cambios en ese significado. En este capítulo, se muestran algunos ejemplos de obras particularmente explícitas en cuanto al significado que ha tenido la figura humana en distintas épocas; épocas en las que han nacido nuevos géneros y otros han caído en desuso, en que los pintores han vuelto la espalda a las antiguas maneras porque consideraban que ya no daban respuesta a la pregunta sobre el ser humano. La pregunta más antigua y también la más actual, la más urgente.

La figura humana siempre ha encerrado un significado particular. Los cambios de estilo han sido también cambios en ese significado.

Albert Marquet, André Rauvyce. Musée d'Orsay (París, Francia). La pintura de figuras es el tema central del arte. Los retratos de raíz realista como éste son sólo una de las muchas opciones artísticas que ofrece el género.

Pintura mural egipcia que representa un bailarín nubio, c 1420 a.C. Tumba de Horemheb (Tebas, Egipto). Esta figura es una estilización decorativa que expresa mucho mejor la esencia de la danza de lo que podría hacerlo una representación realista. El cuerpo humano está aquí al servicio de una idea ritual de la vida.

Figura humana y cuerpo humano

El concepto artístico esencial en cualquier tema de figura es la representación del cuerpo humano. Un cuerpo que no corresponde a ningún individuo en particular, sino que ejemplifica la idea general de hombre o de mujer. La evolución de los estilos está marcada por distintas ideas y concepciones sobre el mismo; así, la concepción griega es muy distinta (opuesta, en muchos sentidos) a la concepción medieval y difiere también del concepto renacentista. Como es lógico, estas ideas pueden apreciarse con mayor claridad en los desnudos que en las figuras vestidas.

La importancia del desnudo

El desnudo, en efecto, es el motivo artístico fundamental en toda representación de figuras, el que marca las pautas en cuanto a forma, proporciones y expresividad para cualquier otro tema. Cuando un artista contemporáneo dibuja un desnudo, está expresando, consciente o inconscientemente, una concepción general de la figura humana que va más allá de la representación particular del individuo que posa como modelo. Esta concepción está inevitablemente marcada por la mentalidad y el estilo artístico general de cada época.

Masaccio, La expulsión del Paraíso, 1426. Capilla Brancacci, en la iglesia del Carmine (Florencia, Italia). El desnudo artístico expresa una concepción universal del género humano, y como tal, supone una idealización de las particularidades anatómicas reales del hombre y la mujer.

La figura como símbolo

La representación de la figura humana puede ser también una manifestación de determinadas convicciones religiosas, intenciones políticas o proposiciones morales. Las figuras se convierten entonces en la personificación de fuerzas o de valores que entran en conflicto en escenas de carácter mitológico o sagrado. Casi toda la producción artística surgida a lo largo de la historia se encuentra en este caso, y la representación de individuos concretos, sin más significación que la propia del modelo, es la excepción a la norma general. La rica mitología grecolatina y muchos episodios de la Biblia son los dos grandes repertorios simbólicos que a lo largo de los siglos han proporcionado temas a los pintores de Occidente.

En los dibujos infantiles, las figuras presentan una particular síntesis de los elementos más significativos, aquellos que mejor pueden caracterizar a un personaje concreto. La fantasía y el atrevimiento cromático compensa, con creces, la inhabilidad técnica. Pintura de Nina Soto.

Il Bronzino, Alegoría del Amor, 1540. National Gallery, (Londres, Reino Unido). Durante el Renacimiento y el Barroco, los desnudos personificaban alegorías y simbolismos mitológicos. Cada detalle de esta obra contiene una alusión a un contenido narrativo.

La figura como retrato

En el retrato, la figura humana es una persona en particular, con sus rasgos físicos específicos, su atuendo y su carácter individual. Eso no quiere decir que un retrato no pueda incorporar aspectos simbólicos: los retratos renacentistas y barrocos suelen incluir objetos o detalles que aluden a la virtud, la personalidad o la categoría social del retratado; estos detalles pueden ser escudos heráldicos, medallas, flores, animales, ropas, edificios, etc. De hecho, tradicionalmente, los retratos no se han limitado a ser una representación de los rasgos de una persona concreta, sino un conjunto de alusiones a su personalidad contenidas en el color, el gesto, la pose, la indumentaria o los accesorios antes mencionados.

La figura como personaje

Desde que los impresionistas dieran la espalda a la mitología y las alegorías de la temática tradicional, los pintores de figuras han trabajado a partir de las escenas que brinda la realidad. Las figuras representadas en estas escenas son personajes, verdaderos figurantes sin otro valor simbólico que la acción concreta que realizan. El artista no se inspira en textos o narraciones sino en los modestos episodios que ocurren a su alrededor, en la calle, en el campo o en su propio entorno familiar. A partir de esta premisa, algunos artistas han elaborado obras de una complejidad comparable a la de las grandes escenografías clásicas, aunque sin la pretensión moralizante o mitológica que caracterizaba tales obras.

Vincent van Gogh, Retrato de Patience Escalier, 1888. Colección particular. El vibrante colorido de este retrato no es una copia de la realidad, sino que persigue la expresión del calor del estío y también de un estado de ánimo particular.

Zurbarán, Santa Casilda, 1642. Museo del Prado (Madrid, España). La actitud y los ropajes de la figura expresan la solemnidad que debe acompañar la presencia de una santa. El realismo de Zurbarán se basa en este caso en un tema netamente imaginario.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini, 1434. National Gallery (Londres, Reino Unido). El realismo escrupuloso de esta obra incorpora igualmente un mensaje concreto cifrado en los gestos de los personajes y en los complementos que rodean la escena.